lunes, 19 de febrero de 2018

Alejandro Barrón [Pintura / Painting]

Las pinturas de Alejandró Barrón son mucho más que un minucioso estudio anatómico y gestual de los personajes. El uso del claroscuro que tanto le debe a Caravaggio, acentúa esa sensación de cosa a ser descubierta que nos incita a recorer pausadamente cada detalle, cada tatuaje, cada pliegue. Lejos de esconderse de la intrusión del espectador, a menudo las modelos miran de frente, desafiando e invitando a compartir la sensualidad que desprenden. Alejandro es un enamorado de los detalles, de la piel, de las miradas y las expresiones que nos hacen únicos, y las retrata en toda su naturalidad. Cuepos, rostros, erotistmo... "estos elementos se ligan a mi idea sobre la belleza. Es lo que me mueve, todo lo que veo y me rodea siempre es un campo fértil para interpretar y representar. Me encanta la naturaleza de todas las cosas."

Alejandró Barrón's paintings are much more than a meticulous anatomical and gestural study of the characters. The use of chiaroscuro that owe so much to Caravaggio, accentuates that sensation of a discovered thing that encourages us to scan slowly every detail, every tattoo, every fold of the skin. Far from hiding from the intrusion of the viewer, the models often look straight, challenging and inviting to share the sensuality that they give off. Alejandro is in love with the details, the little things, the looks and the expressions that make us unique, and he portrays them in its naturalness. Bodies, faces, eroticism ... "these elements are linked to my idea of beauty, it is what moves me, everything that I see and surrounds me is always a fertile field to interpret and represent, I love the nature of all things."
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Alejandro Barrón

Alejandro Barrón. Foto / Photo. Fabiola Manzano

Alejandro Barrón nació en Ciudad de México en 1980. Se inició estudiando la licenciatura de Artes Visuales en la UNAM en 1998.
«Estuve un poco más de 7 años en la escuela, pero sólo me centré en el aprendizaje de la Litografía del 2000 al 2006, aunque pintaba en casa sólo por gusto, pero sin la formalidad requerida. Al titularme y estar fuera del plantel, empezó mi verdadero oficio por la pintura.»

"El corazón de Venus / The Heart of Venus"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 170 x 110 cm., 2015

Obra presentada para el proyecto "El mural del milenio", a cargo de Avelina Lésper, directora de Colección Milenio Arte", en el cual se comisionó a 34 artistas de generaciones y lenguajes distintos a plasmar su visión sobre el éter, el aire, el fuego, la tierra y el agua para reflexionar que la naturaleza va más allá de la ecología.
Según Lesper "queríamos reinterpretar los elementos, dar una visión distinta a la que conocemos como ecología porque es un término muy limitante y utilitario. Buscamos en las pinturas una simbología más filosófica, más humanista."
La muestra "El Mural del Milenio" estará abierta al público hasta el 25/2/2018 en el Hospicio del Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, México.

Work presented for the project "The mural of the millennium", by Avelina Lésper, director of Collection Millienium Art, in which 34 artists of different generations and languages were commissioned to express their vision on the ether, the air, fire, earth and water to reflect that nature goes beyond ecology.
According to Lesper "we wanted to reinterpret the elements, give a different vision to what we know as ecology because it is a very limiting and utilitarian term, we look for a more philosophical, more humanistic symbology in the paintings."
The show "Mural of the Milenium" will be open until February 25th at the Hospicio of Cultural Institute Cabañas, Guadalajara, Mexico.

"Advenimiento / Advent"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 75 x 60 cm., 2016

«La escuela quita el dibujo, sólo dan cursos en los primeros años, después les parece obsoleto, pero me metí a todos los talleres de dibujo una y otra vez, incluso dejé de ir a las clases teóricas que no me interesaban. Me enfoqué en el retrato, porque me parece un tema muy vasto.
Así llegué a la oscuridad, que proporciona ambientes intimistas; al desnudo, que ya no es el ideal, sino el que devela detalles, lunares, arrugas, la carne; a objetos que tienen un ánima, que formaron parte de algo o de alguien, con vibra. Son personajes que emergen de la penumbra y todos tienen su historia.»

«La comercialización orilla a los pintores a hacer cuadros decorativos de manera muy rápida. Se pierde la búsqueda y la experimentación. A mí me ayudó caminar solo, y hasta la fecha no me gusta que me digan qué hacer. Hago lo que me llena y tiene posibilidad de moverse, de transformarse, de hacerme avanzar.»

"Ahuyentando Arañas / Scaring Spiders"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 35 x 28 cm., 2014

«En mi caso, la pintura es caminar, buscar con todo el tiempo del mundo, dar su espacio a las cosas, porque el cuadro va diciendo qué necesita, y hay que saber escucharlo.»

"San Sebastián / St. Sebastian"
Óleo sobre lino y madera / oil on linen on wood, 130 x 85 cm., 2017

"Gatita de mis sueños / Kitty of my Dreams"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 53 x 40 cm., 2017

Tras una fallida exposición en el Centro Cultural Ollin Yoliztli, Barrón pasó por una fase depresiva en la que consideró abandonar la pintura. 
«Fue terrible, no hacía nada más que estar tirado. Pero me hizo levantarme el instinto de supervivencia, porque yo soy esto, mi pintura. Me ayudó un galerista de Monterrey, que cuando vino a mi estudio a ver una obra me dijo: ‘¡Está increíble!’ Me motivó.
Pero el regreso fue frustrante, porque no podía pintar. No es cierto eso de que se tiene el talento o el don. Si dejas de pintar se acaba la magia. Tuve que empezar de nuevo. Pero a pesar del tapón seguí, me costó un año retomar el ritmo.»

"El sueño del gigante / The Dream of the Giant"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 80 x 50 cm., 2016

«Mi ideal de belleza es la naturalidad de las cosas, la proporción, la desproporción, el caos, el gesto, todo lo que exalte el aparente “equilibrio” que se encuentra en los detalles de todo lo que nos rodea y de lo que somos.»

"La manera en la que caen los ángeles / The Way the Angels Fall"
Óleo sobre lino / oil on linen, 2012

"Paulina", óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood,  61 x 71 cm., 20177

«Trabajé mucho con retratos y me identifiqué cada vez más con el lenguaje corporal, los detalles, la carne, las texturas, etc. Realmente no creo que esto cambie en el futuro ...
Me gusta representar personas u objetos de una manera sutil en un entorno inusual. Más que relatar algo, busco una obra de arte gesticulada, simbólica y emotiva. Creo que las cosas son hermosas tal como son y no es necesario distorsionar algo para hacerlo interesante. Hay suficientes detalles sobre la piel y las cosas que nos rodean como para deleitarnos de por vida.»

"Devorador de sueños / Dream Eater"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 120 x 100 cm., 2017

"Autorretrato a los 35 años / Self Portrait at 35" (obra y detalle / work and detail)
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 63 x 47 cm., 2015

Alejandro Barrón was born in Mexico City in 1980. He started studying the Visual Arts degree at the UNAM in 1998.
«I was a little over 7 years in school, but I only focused on learning the Lithography from 2000 to 2006, even though I painted at home just for fun, but without the required formality. When I graduated and was off campus, my real job as a painter began.»

"Banana split"
Óleo sobre lino, sobre caoba / oil on linen on mahogany, 36 x 32 cm., 2017

"El presente / The Present"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 2013

«The school removes the drawing, they only give courses in the first years, then they seem obsolete, but I went to all the drawing workshops again and again, I even stopped going to the theoretical classes that did not interest me. I focused on portraiture, because it seems a very broad subject.
Thus I arrived at the darkness, which provides intimate atmospheres; to the naked, that is no longer the ideal, but the one that reveals details, moles, wrinkles, the flesh; to objects that have a soul, that were part of something or someone, with vibes. They are characters that emerge from the shadows and all have their history.»

«Marketing marginalizes painters, leading them to make decorative paintings very quickly. You lose the search and the experimentation. It helped me to walk alone, and to this day I do not like to be told what to do. I do what fills me and has the possibility to move, to transform, to move me forward. "

"La belleza y el silencio / Beauty and Silence"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 102 x 55 cm., 2016

"Un fragmento del cielo / A Fragment of Heaven", óleo / oil, 61 x 43 cm., 2013

After a failed exhibition at the Ollin Yoliztli Cultural Center, Barrón went through a depressive phase in which he considered abandoning painting.
«It was terrible, I did nothing but lying down. But it made me lift my survival instinct, because I am this, my painting. I was helped by the gallerist from Monterrey, who when he came to my studio to see a picture told me: 'It's incredible!' He motivated me.
But the return was frustrating, because I could not paint. It is not true that you have the talent or the gift. If you stop painting, the magic is over. I had to start over. But despite the blockade I continued, it took me a year to get back on track.»

"Plenitud / Plenitude"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 85 x 55 cm., 2012

"La maga / The Magician", óleo / oil, 85 x 55 cm., 2013

«My ideal of beauty is the naturalness of things, proportion, disproportion, chaos, gesture, everything that exalts the apparent "balance" found in the details of everything that surrounds us and what we are.»

"De la domesticación y otros sueños / On Domestication and Other Dreams"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 2014

"El placer que lo fecunda todo / The Pleasure That Fertilizes Everything"
Óleo / oil, 85 x 50 cm., 2013

«I worked a lot with portraits and I got more and more identified with body language, details, the flesh, textures, etc. I really do not think that this will change in the future…
I like to represent people or objects in a subtle way into an unusual environment. More than to relate something, I look for a gestured, symbolic and emotive artwork. I think things are beautiful the way they are and it’s not necessary to distort something to make it interesting. There are so many details on the skin and the things around us to delight us for a lifetime.»

"La noche / The Night"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 85 x 55 cm., 2013

"Ojos castrados / Castrated Eyes"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 43 x 59 cm., 2010

Fuentes / Sources:
* Website
* Videos que pueden verse más abajo / Videos you can see below
* Entrevista de / Interview by Mónica Mateos-Vega. "La Jornada", Martes / Tuesday 30/12/2014
* Entrevista de / Interview by Pablo Llana. Art-Facto, 2015
* Entrevista de / Interview by Mary Vareli. Paradox Ethereal, 1/3/215
* El Mural del Milenio. Milenio.com. Filias. 28/11/2017

Más sobre / More about Alejandro Barrón: Tumblr, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alejandro!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alejandro!)



Entrevista de / Interview by Avelina Lésper. Milenio.com



Entrevista de / Interview by Francisco Gutiérrez



domingo, 18 de febrero de 2018

Aniversarios (CCXIV) [Febrero / February 12-18]

Todos los aniversarios de Febrero aquí / All anniversaries for February here.
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El 12 de Febrero es el cumple de

Basil Ede, artista de vida silvestre inglés nacido en 1931 en Surrey, especializado en retratos de aves, conocido por la precisión ornitológica de sus pinturas.
El interés de Ede en el dibujo comenzó temprano en la vida. Creció durante la Segunda Guerra Mundial, y llenaba sus cuadernos de ejercicios con dibujos de aviones militares y caricaturas poco favorecedoras de los maestros de su escuela. Fue educado en St John's School, Leatherhead. Luego asistió a la Escuela de Arte Kingston en Surrey. Sin embargo, en 1949, lo llamaron para el servicio militar obligatorio en el ejército británico. Al dejarlo en 1951 se unió a la Marina Mercante, tomando un trabajo como contador a bordo del barco de Orient Line Empire Orwell. La ruta establecida del barco estaba entre Southampton y Japón, vía Suez, Colombo, Hong Kong, Singapur y Pusan. Además de estas tareas, el barco ayudaba a transportar tropas y equipos británicos hacia y desde la Guerra de Corea. Ede se fascinaría por el Lejano Oriente y, en particular, por su arte. Sin duda esto tuvo una influencia en su trabajo posterior. Cuando abandonó para siempre la navegación se unió a la línea Cunard como joven ejecutivo. Pasaría su tiempo libre pintando pájaros, incluyendo diseños que vendió a sus empleadores, Cunard, para obtener sus tarjetas de menú de primera clase en RMS Queen Elizabeth y RMS Queen Mary.
La primera exposición individual de la obra de Basil Ede se realizó en la Rowland Ward Gallery de Londres en 1958. En 1964 se convirtió en el primer artista vivo en ser honrado con una exposición individual en la Colección Nacional de Bellas Artes, Washington DC. El evento fue patrocinado por la Embajada Británica, la Unión de Habla Inglesa y la Sociedad Nacional Audubon.

"Cuco / Cuckoo", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Link

En 1965 el primer libro de Ede, "Aves del pueblo y la ciudad / Birds of Town and Village" fue publicado por Country Life Books, presentando treinta y seis láminas de su obra a todo color. La publicación presentaba un prólogo escrito por el Príncipe Felipe, Duque de Edimburgo y textos del ornitólogo W. D. Campbell. Fue reeditado por Chartwell Books en 2004.
En 1971 un encuentro casual con otro coleccionista estadounidense, Jack Warner, condujo a la puesta en marcha de la serie "Aves Silvestres de Estados Unidos / The Wild Birds of America". Descrito como un "proyecto muy ambicioso", el encargo consistía en pintar todas las especies de aves silvestres de América del Norte, 650 en total, en tamaño natural. Robert McCracken Peck, en su ensayo "Cuatro siglos de retratos de aves / Four Centuries of Avian Portraiture", dice que el proyecto "... se ha comparado en alcance al esfuerzo de veintiocho años de John James Audubon para documentar y celebrar las aves de América del Norte", pero agrega: "Una comparación tan limitada no logra poner en perspectiva adecuada la tradición mucho más amplia de la pintura de aves en Estados Unidos con la que Audubon y Ede están íntimamente relacionados". El proyecto fue interrumpido en 1989, luego de que Ede sufriera un derrame cerebral severo. Sin embargo, entre 1975 y 1989, Ede completó un total de noventa y cinco retratos a la acuarela de tamaño natural de aves de América del Norte.
Ede quedó con el brazo derecho paralizado y aprendió a pintar con la mano izquierda. Cambió su medio favorito de la acuarela a los óleos. En un año, nuevamente pintaba de manera competente y en tres años pudo hacerlo con considerable detalle.
Murió en 2016.

"La urraca / The Magpie", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Pinterest

On February 12 is the birthday of

Basil Ede, English wildlife artist born in 1931 in Surrey, specialising in avian portraiture, noted for the ornithological precision of his paintings.
Ede's interest in drawing began early in life. As a schoolboy growing up during the Second World War, he filled his exercise books with sketches of military aircraft and unflattering caricatures of his school teachers. He was educated at St John's School, Leatherhead. He later attended Kingston School of Art in Surrey. However, in 1949, he was called up for compulsory military service in the British Army. On leaving the army in 1951, Ede joined the Merchant Navy, taking a job as a purser on board the Orient Line ship Empire Orwell.

"Cernícalo vulgar / Common Kestrel", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Pinterest

The ship's established route was between Southampton and Japan, via Suez, Columbo, Hong Kong, Singapore and Pusan.  In addition to these duties, the ship was at this time deployed to help transport British troops and equipment to and from the Korean War. Ede was to become fascinated by the Far East and in particular by its art. This was undoubtedly to have an influence on his later work. Coming ashore for good, Ede then joined the Cunard line as a young executive. He would spend his spare time painting birds, including designs that he sold to his employers, Cunard, for their first class menu cards on the RMS Queen Elizabeth and RMS Queen Mary. 
The first one-man exhibition of Basil Ede's work was held at the Rowland Ward Gallery in London in 1958. In 1964, Ede became the first living artist to be honoured with a one-man show at the National Collection of Fine Arts, Washington D.C. The event was sponsored by the British Embassy, the English Speaking Union and the National Audubon Society.
In 1965, Ede's first book, "Birds of Town and Village" was published by Country Life Books, featuring thirty six plates of his work in full colour. The publication features a foreword written by Prince Philip, Duke of Edinburgh and text by ornithologist W. D. Campbell, republished by Chartwell Books in 2004.

"Somormujo Lavanco / Great Crested Grebe"
Acuarela / watercolor, 19,6 x 29,8 cm., 1976. Rountree Tyron Galleries

In 1971, a chance encounter with another American collector, Jack Warner, led to the commissioning of "The Wild Birds of America" series. Described as a "very ambitious project", the commission was to paint every species of wild bird in North America, 650 in all, in life size. Robert McCracken Peck, in his essay "Four Centuries of Avian Portraiture", says that the project "...has been compared in scope to John James Audubon's twenty eight year effort to document and celebrate the birds of North America", but adds, "so limited a comparison fails to put into proper perspective the much larger tradition of bird painting in America with which both Audubon and Ede are intimately interlinked." The project was cut short in 1989, after Ede suffered a severe stroke. However, a total of ninety five life sized portraits of North American birds, in watercolour, were completed for the collection by Ede, between 1975 and 1989.
Ede was left with his right arm paralysed and taught himself to paint with his left hand instead. He switched his chosen medium from watercolour to oils. Within a year he was once again painting competently and within three he was able to paint in considerable detail.
He died in 2016.

"Pito real / Green Woodpecker", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Link


El 13 de Febrero es el cumple de

Georg Schrimpf, pintor y artista gráfico alemán nacido en 1889 en Munich.
Junto con Otto Dix, George Grosz y Christian Schad, Schrimpf es ampliamente reconocido como representante principal de la Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad), que se desarrolló, en la Alemania de Weimar en la década de 1920 como un movimiento contrario al expresionismo y abstracción. Schrimpf fue catalogado como creador de arte degenerado por el gobierno nacionalsocialista en la década de 1930.
Entre 1905 y 1914 Schrimpf deambuló por Bélgica, Francia, Suiza e Italia del norte, trabajando como camarero, panadero y repartidor de carbón.
Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, el antimilitarista Schrimpf "empleó exitosamente todos los trucos posibles para evitar el servicio militar. Al hacerlo, sin embargo, arruinó su salud". De 1915-1918 vivió en Berlín, donde trabajó como artista independiente. En su tiempo libre empleaba cada minuto en dibujar, pintar y tallar madera. Mayormente autodidacta como artista, aprendió copiando los Viejos Maestros.
En 1916 el famoso publicista y experto en arte Herwarth Walden expuso algunas de las pinturas y tallas de madera de Schrimpf en su galería de Berlín "Der Stumm", donde fueron muy bien acogidas por el público.
Participó con el "November Group / Grupo Noviembre", y fue incluido en sus exposiciones de 1919, 1920, 1924 y 1929. Publicó sus obras en revistas expresionistas tales como "Der Weg", "Die Bücherkiste" y "Die Sichel". En 1919 participó en la efímera República Soviética de Munich que intentó establecer un estado socialista en Baviera, y fue detenido cuando el movimiento fue aplastado. En 1921 el marchante de arte Hans Goltz exhibió su obra en Múnich.

"Liegende Mädchen im Grünen / Chicas reclinadas en el campo / Reclining Girls in the Countryside"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54 x 101 cm., 1930.
Staatsgalerie Stuttgart (Alemania / Germany). Art Blart

Ya en la década de 1920 se consideraba que Schrimpf representaba el "ala derecha" del movimiento de la Nueva Objetividad. Otros representantes prominentes del ala incluyen a Alexander Kanoldt y Franz Lenk. El ala llamada "verista" del movimiento incluía a Otto Dix, George Grosz y Georg Scholz. En 1924 se mudó a Italia.
En 1925 participó en la exposición Neue Sachlichkeit en Mannheim Kunsthalle. Dos años más tarde comenzó a enseñar en la Meisterschule für Dekorationskunst, en Munich. La "derecha" del movimiento no fue tenida en cuenta de inmediato por el régimen nazi en su etapa temprana, y pudieron asumir cátedras de pintura después de que el régimen tomó el poder en 1933. El trabajo de Schrimpf era visto como una forma aceptable del romanticismo alemán por parte de las autoridades.
En 1932 se fundó el Grupo Siete y dio comienzo una exposición itinerante del grupo. Los otros otros miembros fueron Theo Champion, Adolf Dietrich, Hasso von Hugo y Franz Radziwill, así como Kanoldt y Lenk.
Schrimpf se convirtió en profesor en la Real Escuela de Arte de Berlín en 1933, pero fue despedido en 1937 debido a su "pasado rojo". Fue miembro por un corto período de Rote Hilfe, una organización socialista. Por esa razón, el régimen nazi prohibió sus obras en exposiciones públicas.
Murió en 1938.

"Am Morgen / Por la mañana / In the Morning"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 48 cm., 1931. Lempertz

On February 13 is the birthday of

Georg Schrimpf, German painter and graphic artist born in 1889 in Munich.
Along with Otto Dix, George Grosz and Christian Schad, Schrimpf is broadly acknowledged as a main representative of the art trend Neue Sachlichkeit (usually translated New Objectivity), which developed, in Weimar Germany, in the 1920s as a counter-movement to Expressionism and Abstraction. Schrimpf was listed as a producer of Degenerate Art by the German National Socialist government in the 1930s.
From 1905 to 1914 Schrimpf wandered through Belgium, France, Switzerland and Northern Italy, working as a waiter, baker, and coal shuffler. 
With the outbreak of the First World War, the antimilitaristic Schrimpf "successfully employed every possible trick to avoid military service; in so doing, however, he ruined his health". From 1915–1918 Schrimpf lived in Berlin, where he worked as a freelance artist. In his free time he used every minute for drawing, painting, and wood carving. Mostly self-taught as an artist, he learned by copying the Old Masters. 
In 1916 the famous publicist and art expert Herwarth Walden exhibited some of Schrimpf's paintings and woodcarvings in his Berlin gallery Der Stumm where they received much public attention. 

"Stillleben / Bodegón / Still Life", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1929.
Städtische Galerie  im Lenbachhaus (Munich, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

He participated with the November Group and was included in their exhibitions of 1919, 1920, 1924 and 1929. Schrimpf published works, in such the Munich expressionist magazines as Der Weg, Die Bücherkiste and Die Sichel. In 1919 he was involved in the short-lived Munich Soviet Republic which attempted to establish a socialist state in Bavaria and was arrested after the movement was crushed. In 1921 his works were shown in Munich by art dealer Hans Goltz.
As early as the 1920s, Schrimpf was regarded as being a representative of the "right wing" of the Neue Sachlichkeit movement. Other prominent representatives of the wing included Alexander Kanoldt and Franz Lenk. The movement's so called "verist" wing included such artists as Otto Dix, George Grosz and Georg Scholz. In 1924 he moved to Italy.
In 1925 Schrimpf participated in the Neue Sachlichkeit exhibition at the Mannheim Kunsthalle. Two years later, he began teaching at the Meisterschule für Dekorationskunst in Munich. The "right-wing" of the movement were not immediately condemned by the Nazi regime at an early stage and were able to take on professorships in painting after the regime seized power in 1933. Schrimpf's work was seen as an acceptable form of German Romanticism by the authorities.
1932 saw the foundation of the Group Seven and the start of a touring exhibition by the group; the other members were Theo Champion, Adolf Dietrich, Hasso von Hugo, Franz Radziwill, as well as Kanoldt and Lenk.
Schrimpf became professor at the Royal School of Art in Berlin in 1933, but was fired in 1937 because of his “red past”. He had been a short-time member of Rote Hilfe, a socialist organization. For the same reason the Nazi regime banned his works from public exhibitions. 
He died in 1938.

"Stillleben mit Katze (Ofenecke) / Bodegón con gato / Still Life With Cat"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,7 x 45,4 cm., 1923
Pinakothek der Moderne (Munich, Alemania / Germany). Wikimedia Commons


El 14 de Febrero es el cumple de

Maximilian Emanuel Ainmiller, artista alemán y pintor de vitrales nacido en 1807.
Bajo la tutela de Friedrich von Gärtner, director de la Real Fábrica de Porcelana de Nymphenburg, Ainmiller estudió la pintura de vidrio, como proceso mecánico y como arte, en la Academia de Bellas Artes de Munich. En 1828 fue nombrado director de la recién fundada fábrica real de vidrio pintado en Munich. El método que gradualmente perfeccionó fue un desarrollo del proceso del esmalte adoptado en el Renacimiento, y consistió en pintar el diseño sobre el vidrio, que era sometido, según se aplicaba cada color, a un calentamiento cuidadosamente ajustado.

"Das Ulmer Münster / La catedral del Ulm / The Ulm Minster"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116,5 x 92 cm., 1859. Wikimedia Commons

Los primeros ejemplares del trabajo de Ainmiller se encuentran en la catedral de Ratisbona. Con algunas excepciones, todas las ventanas de la catedral de Glasgow son de su mano. También se pueden ver en la catedral de San Pablo y Peterhouse, Cambridge, y la catedral de Colonia contiene algunas de sus mejores producciones. Ainmiller tenía considerable habilidad como pintor al óleo, especialmente de interiores; sus pinturas de la Capilla Real en el Castillo de Windsor y de la Abadía de Westminster eran muy admiradas, la última de las cuales se exhibe en la galería de Neue Pinakothek en Munich.
Maximilian también fue mentor de muchos pintores famosos, incluyendo a su futuro yerno David Dalhoff Neal, y abuelo del dramaturgo Max Neal y del compositor Heinrich Neal, que nació unos meses antes de su muerte en 1870.

"Die Hochzeit Wilhelms V. mit Renata von Lothringen 1568 in der Münchner Frauenkirche /
La boda de Guillermo V con Renata de Lorena 1568 en la Frauenkirche de Munich /
The wedding of William V. with Renata of Lorraine 1568 in the Munich Frauenkirche"
Óleo sobre panel / oil on panel, 152 × 117 cm., 1854.
Münchner Stadtmuseum (Múnich, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

On February 14 is the birthday of

Maximilian Emanuel Ainmiller, German artist and glass painter born in 1807.
Under the tutorage of Friedrich von Gärtner, director of the royal Nymphenburg Porcelain Manufactory, Ainmiller studied glass painting, both as a mechanical process and as an art, at the Academy of Fine Arts in Munich. In 1828 he was appointed director of the newly founded royal painted-glass manufactory at Munich. The method which he gradually perfected there was a development of the enamel process adopted in the Renaissance, and consisted in actually painting the design upon the glass, which was subjected, as each colour was laid on, to carefully adjusted heating.

"El coro de la Abadía de Westminster en Londres con la tumba de Eduardo el Confesor /
The choir of Westminster Abbey in London with the tomb of Edward the Confessor /
Der Chor der Westminster Abbey in London mit dem Grabmal Eduards des Bekenners"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 189 x 145 cm., 1807
Neue Pinakothek München (Múnich, Alemania / Germany). Bayerische Staatsgemäldesammlungen

The earliest specimens of Ainmiller's work are to be found in the cathedral of Regensburg. With a few exceptions, all the windows in Glasgow cathedral are from his hand. Specimens may also be seen in St Paul's cathedral and Peterhouse, Cambridge, and the Cologne cathedral contains some of his finest productions. Ainmiller had considerable skill as an oil-painter, especially in interiors, his pictures of the Chapel Royal at Windsor Castle and of Westminster Abbey being much admired, the latter of which is displayed in the gallery of the Neue Pinakothek in Munich.
Maximilian was also mentor to many famous painters, including future son-in-law David Dalhoff Neal, and grandfather to dramatist Max Neal, and composer Heinrich Neal who was born a few month prior to his death in 1870.

"Interior de una iglesia / Interior of a Church"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68 x 54 cm., 1859.
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)


El 15 de Febrero es el cumple de

Mary Swanzy, pintora irlandesa de paisajes y escenas de género, nacida en 1882 en Dublín. Conocida por su abordaje ecléctico, pintó en muchos estilos, incluidos el cubismo, el fauvismo y el orfismo, y fue una de las primeras pintoras abstractas de Irlanda.
Swanzy asistió a Alexandra College, Earlsfort Terrace, una escuela en el Lycée en Versalles, Francia, y una escuela diurna en Freiburg, Alemania. Gracias a esta educación dominaba el francés y el alemán. Luego pasó a tomar clases de arte en el estudio de May Mannings, bajo la dirección de John Butler Yeats. Manning alentó a Swanzy a estudiar modelaje con John Hughes en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín. Viviendo a poca distancia de la Galería Nacional de Irlanda, pasó mucho tiempo estudiando y copiando a los grandes maestros. La primera exposición de Swanzy fue con la Royal Hibernian Academy (RHA) en 1905 con "Retrato de un niño", y continuó exhibiendo retratos todos los años hasta 1910. En 1905 viajó a París y trabajó en el estudio Delacluse. Luego asistió al estudio de Antonio de La Gándara en 1906 y tomó clases en la Académie de la Grande Chaumière y la Académie Colarossi. Mientras estuvo en París entró en contacto con las obras de Gauguin, Matisse y Picasso, lo que le causó una impresión duradera.
A su regreso a Dublín pintó retratos y escenas de género, y celebró su primera muestra en Mill's Hall, Merrion Row en 1913.

"Mujer con vestido verde y camafeo / Woman in a Green Dress and Cameo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 64 cm., 1920-40. ArtUK
Ulster Museum (Jardines Botánicos, Belfast, Irlanda del Norte / Botanic Gardens, Belfast, Northern Ireland)

Después de la muerte de sus padres Swanzy fue financieramente independiente y pudo viajar, pasando su tiempo entre Dublín y Saint-Tropez durante la Primera Guerra Mundial, mientras continuaba pintando. También exhibió con la Société des Artistes Indépendants en 1914 y 1916, siendo elegida para el comité en 1920.
Comenzó a viajar a países más exóticos desde la década de 1920, a Honolulu alrededor de 1923, y más tarde a Samoa. Como resultado pintó flores tropicales locales, árboles y mujeres nativas, con una paleta y un estilo similar al del fauvismo. Se quedó un tiempo en Santa Bárbara, California, trabajando en un estudio local y exhibiendo parte de su trabajo de Samoa en la Galería del Club de Artes de Santa Bárbara. Regresó a Irlanda en febrero de 1925. A mediados de la década de 1920 se instaló en Blackheath, Londres, haciendo viajes regulares a Dublín y al extranjero. Por esta época la pintura de Swanzy fue influenciada por el orfismo y recibió reseñas muy positivas. Su obra se volvió más alegórica en años posteriores.
Continuó pintando hasta su muerte en su casa de Londres en 1978.

"Leyendo la columna de ofertas de empleo / Reading the 'Employment Offers' Column"
Óleo sobre panel / oil on board, 34,8 x 26,8 cm., 1972. ArtUK
Ulster Museum (Jardines Botánicos, Belfast, Irlanda del Norte / Botanic Gardens, Belfast, Northern Ireland)

On February 15 is the birthday of

Mary Swanzy, Irish landscape and genre painter born in 1882 in Dublin. Noted for her eclectic style, she painted in many styles including cubism, fauvism, and orphism, and was one of Ireland's first abstract painters.
Swanzy attended Alexandra College, Earlsfort Terrace, a finishing school at the Lycée in Versailles, France, and a day school in Freiburg, Germany. This education meant that Swanzy was fluent in French and German. She went on to take art classes at May Mannings's studio, under the direction of John Butler Yeats. Manning encouraged Swanzy to study modelling with John Hughes at the Dublin Metropolitan School of Art. Living within walking distance of the National Gallery of Ireland, she spent a lot of time studying and copying the great masters. Swanzy's first exhibition was with the Royal Hibernian Academy (RHA) in 1905 with Portrait of a child, continuing to exhibit portraits every year until 1910. In 1905 she went to Paris, and worked at the Delacluse studio. She went on to attend the studio of Antonio de La Gándara in 1906, and took classes at Académie de la Grande Chaumière and Académie Colarossi. Whilst in Paris Swanzy was exposed to the works of Gauguin, Matisse, and Picasso, which made a lasting impression on her.
On her return to Dublin, Swanzy painted portraits and genre scenes and held her first show at Mill's Hall, Merrion Row in 1913.

"Sol en las velas / Sun on the Sails", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 63,5 cm. Sotheby's

After the deaths of her parents, Swanzy was financially independent and could travel, spending her time between Dublin and Saint-Tropez during World War I whilst continuing to paint. She also exhibited with the Société des Artistes Indépendants in 1914 and 1916, being elected to the committee in 1920.
Swanzy began to travel to more exotic countries from the 1920s, Honolulu around 1923, and later Samoa. As a result, she painted local tropical flowers, trees, and native women, with a palette and style similar to that of Fauvism. She stayed for a time in Santa Barbara, California, working in a local studio and exhibiting some of her Samoan work at the Santa Barbara Arts Club Gallery. She returned to Ireland in February 1925. In the mid 1920s Swanzy settled in Blackheath, London, making regular trips to Dublin and abroad. At this time Swanzy's painting was influenced by orphism and was reviewed positively. Her work became more allegorical in later years.
She continued to paint until her death at her home in London in 1978.

"Paisaje iluminado por el sol / Sunlit Landscape"
óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,5 x 99  cm. Sotheby's


El 16 de Febrero es el cumple de

Théodore Jacques Ralli o Theodorus Rallis (nombre completo: Theodoros Rallis-Scaramanga, Θεόδωρος Ράλλης), pintor, acuarelista y dibujante griego nacido en 1852 en Constantinopla. Pasó la mayor parte de su vida activa en París, Francia y en Egipto. Pintó obras de género, retratos, figuras locales, temas arquitectónicos, interiores con figuras y animales, pero se lo conoce fundamentalmente por sus pinturas orientalistas.
Fue enviado a París bajo el patrocinio del rey Otto de Grecia y estudió con Jean-Léon Gérôme, pintor y profesor francés en la Ecole des Beaux-Arts, y bajo la dirección de Jean-Jules-Antoine Lecomte du Nouy, ​​ambos conocidos por sus pinturas orientalistas.
Luego viajó mucho por el norte de África y el Medio Oriente, estableciéndose por un tiempo en El Cairo, Egipto. Allí encontró su inspiración para el misticismo romántico y la sugerente sensualidad de sus muchas pinturas orientalistas. Sus otras obras de género eran a menudo recuerdos nostálgicos de la vida y las costumbres de su tierra griega, que retrató con una reverencia delicada y conmovedora. Sus pinturas fueron elaboradas con gran atención al detalle, a los disfraces y las expresiones faciales. Las diversas fuentes de luz en sus pinturas, como los rayos de luz, las velas o las brasas brillantes en la chimenea, se muestran en colores suaves.

"Escuchando a escondidas / Eavesdropping"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,5 x 37 cm., 1880. Bonhams

Su primera exposición fue en el Salón en 1875. Desde 1879 exhibió regularmente en la Royal Academy de Londres. Fue miembro de la Société des Artistes Français, donde recibió una mención honorífica en 1885 y una medalla de plata en 1889 por toda su obra. Expuso sus pinturas en el Salon de Rouen (1897, 1903, 1906 y 1909) y también en Atenas durante los Juegos Olímpicos de 1896. También se desempeñó como miembro del jurado de la competencia en 1900 en la Exposición Universal. En 1901 se convirtió en Caballero de la Legión de Honor.
Después de su muerte en 1909, fue lentamente olvidado. Es revelador que su nombre ni siquiera esté incluido en el Diccionario de Arte Grove. La mayoría de sus cuadros todavía están en colecciones privadas. Solo unos pocos museos alguna vez compraron sus obras. Últimamente, sus pinturas han sido redescubiertas y están siendo subastadas a precios que multiplican por diez lo que se pagaba por ellas hace algunos años, alcanzando cifras de 30,000 a 100,000 euros.

"Una belleza oriental / An Oriental Beauty"
Óleo sobre onix / oil on onyx, 22 x 15,6 cm. Bonhams

On February 16 is the birthday of

Théodore Jacques Ralli or Theodorus Rallis (full name: Theodoros Rallis-Scaramanga; Greek: Θεόδωρος Ράλλης), Greek painter, watercolourist and draughtsman born in 1852 in Constantinople. He spent most of his working life in Paris, France and in Egypt. He painted genre works, portraits, local figures, architectural subjects, interiors with figures and animals. But he is best known for his orientalist paintings.
He was sent to Paris under the patronage of King Otto of Greece and studied under Jean-Léon Gérôme, French painter and professor at the Ecole des Beaux-Arts, and under Jean-Jules-Antoine Lecomte du Nouy, both known for their orientalist paintings.
Ralli then travelled widely in North Africa and the Middle East, settling for a while in Cairo, Egypt. Here he found his inspiration for the romantic mysticism and suggestive sensuality of his many orientalistic paintings. His other genre paintings were often nostalgic recollections of the life and customs of his Greek homeland, which he portrayed with a delicate and moving reverence. His paintings were elaborated with great attention to detail, with great attention to costumes and facial expressions. The varying light sources in his paintings such as rays of light, candles, or the glowing embers in the fireplace are rendered in soft colours.

"Rezando antes de comulgar en Megara / Praying Before the Communion at Megara"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,4 x 93,4 cm., 1890. Bonhams

Rallis first exhibition was at the Salon in 1875. From 1879 he regularly exhibited at the Royal Academy in London. He was a member of the Société des Artistes Français, where he received an honourable mention in 1885, and a silver medal in 1889 for his whole work He exhibited his paintings in the Salon de Rouen (1897, 1903, 1906 and 1909) and also in Athens during the Olympic Games of 1896. He also served as a member of the competition jury in 1900 at the Exposition Universelle.In 1901 he became a Chevalier of the Légion d’Honneur.
After his death in 1909, he was slowly almost forgotten. It is telling that his name is not even included in the Grove Dictionary of Art. Most of his paintings are still in private collections. Only a few museums ever purchased his works. Lately, his paintings have been rediscovered and are being auctioned at prices that are a tenfold of some years ago, fetching prices from 30,000 to 100,000 euros.

"La ofrenda / The Offering", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 47 cm. Sotheby's



El 17 de Febrero es el cumple de

Khaled al-Khani, pintor sirio nacido en 1975 en el antiguo barrio de Albarodiah en Hama, que actualmente reside en París.
Emplea una variedad de medios para su trabajo, incluyendo pintura al óleo y mural.
Cuando era niño su madre notó su pasión por el dibujo y la colorimetría y lo alientó a continuar en esta área. De adolescente comienza a visitar el taller de Sohail Alahdab, donde aprende varias técnicas pictóricas y modelado en arcilla. Después de graduarse de la escuela, se muda a Damasco para cursar estudios en la escuela de Bellas Artes. Como estudiante, comienza a vender inmediatamente sus pinturas para pagar sus costos. En 1998 obtiene su diploma en pintura, y su maestría en 2000.
La galería de Damasco Naseer Shura recibe las tres primeras exposiciones de Khaled al-Khani, en 1999, 2000 y 2001. El color dominante en estas series es el marrón, y la estética emplea efectos de contractura. Su presentación en la escena artística árabe comienza en Kuwait, donde tiene su primera exposición en el Museo de Baytlothan en 2001, seguida de otra exposición al año siguiente en la Galería Boushahri. Exposiciones individuales tienen lugar en en Dubai, Jordania y Líbano.

De la serie / From the series Original
"Rotación / Rotation", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 140 x 161 cm., 2016. Artsy

Tres meses después del levantamiento popular, Khaled al-Khani se ve obligado a escapar de su país. Es buscado por tomar parte en las manifestaciones populares en Damas contra el presidente Bachar el-Assad y por haber publicado una serie de artículos denunciando la masacre de 1982 en Hama, durante muchos años un tema tabú en la historia de Siria. Llega a París en junio de 2011, donde espera un año antes de retomar su trabajo. Horrorizado por la violencia desatada en su país, imágenes muy violentas emergen en su pintura, representando figuras deformes, rostros desfigurados y masas agitadas.
El ser humano como individuo o en la multitud está en el corazón de la obra de Al-Khani. La mujer también es un tema importante en sus pinturas.
Encontramos un desarrollo similar al de muchos de los artistas del movimiento expresionista alemán que comenzaron antes del período de la Primera Guerra Mundial, como Otto Dix.

"Seducción revolucionaria / Revolutionary Seduction", 2013. Artfacts

On February 17 is the birthday of

Khaled al-Khani, Syrian painter born in 1975 in the ancient neighborhood of Albarodiah in Hama, currently living in Paris.
He employs a variety of supports for his work, including oil painting, and mural painting.
As a child, his mother notices his passion for drawing and colorimetry and encourages him to pursue this area. As an adolescent, he starts to visit the atelier of Sohail Alahdab, where he learns various pictorial techniques and clay modeling. After graduating from school, he moves to Damascus to pursue studies at the school of Fine Arts. As a student, he starts to sell immediately his paintings to pay his costs. In 1998, he obtains his diploma in painting, in 2000 obtaining his Master's degree.
The Damascus gallery Naseer Shura receives the first three exhibitions of Khaled al-Khani, in 1999, 2000 and 2001. The dominant colour in these series is brown, and the esthetic employs effects of contre-jour. His presentation to the Arab artistic scene begins in Kuwait, where he presents his first exhibition at the Museum of Baytlothan in 2001, followed by another exhibition the following year at the Boushahri Gallery. Individual exhibitions take place in Dubai, Jordan and Lebanon.

De la serie / From the series Original
"Amor de manifestante / Demonstrator Love"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 50 × 50 cm., 2017. Artsy

Three months following the popular upheaval, Khaled al-Khani is forced to escape his country. He is wanted for his part in popular demonstrations in Damas against the President Bachar el-Assad and for having published a series of articles denouncing the 1982 massacre at Hama, for many years a taboo subject in the history of Syria. He arrives in Paris in June 2011, where he waits for one year before taking up his work again. Horrified by the violence unleashed in his country, very violent imagery emerges in his painting, depicting deformed figures, disfigured faces, and the agitated masses.
The human as an individual or in the crowd is at the heart of the work of Al-Khani. Woman are also an important subject in his paintings.
In Khaled al-Khani's work, we find a development similar to the works of many artists of the German Expressionist movement beginning before the period of the First World War, such as Otto Dix.

"Tres chicas / Three Girls", 2013. Artfacts


El 18 de Febrero es el cumple de

Louis Comfort Tiffany, artista y diseñador estadounidense nacido en la ciudad de Nueva York en 1848, que trabajó en las artes decorativas y es conocido por su trabajo en vidrieras.
Es el artista estadounidense más asociado con los movimientos Art Nouveau y Estética. Estaba afiliado a un prestigioso grupo de diseñadores conocido como Associated Artists, que incluía a Lockwood de Forest, Candace Wheeler y Samuel Colman. Tiffany diseñó vidrieras y lámparas de colores, mosaicos de vidrio, vidrio soplado, cerámica, joyas, esmaltes y carpintería metálica. Fue el primer Director de Diseño en su empresa familiar, Tiffany & Co., fundada por su padre Charles Lewis Tiffany.
Tiffany comenzó como pintor, pero se interesó en la fabricación de vidrio desde aproximadamente 1875 y trabajó en varios invernaderos en Brooklyn entre entonces y 1878.
Al comienzo de su carrera, Tiffany usó botellas y frascos de jaleas y gelatina baratos porque tenían las impurezas minerales de las que carecía el vidrio más fino. Cuando no pudo convencer a los buenos fabricantes de vidrio de que dejaran las impurezas, comenzó a hacer su propio vidrio. Tiffany usó vidrio opalescente en una variedad de colores y texturas para crear un estilo único de vidrieras.

"Ventana para la Exposición Universal de Chicago, 
Window for the World’s Columbian Exposition in Chicago", 1893. Tiffany

Estableció la marca Favrile (de la antigua palabra francesa para hecho a mano) el 13 de noviembre de 1894. Más tarde usó esta palabra para aplicar a todo su vidrio, esmalte y cerámica. Las primeras lámparas de Tiffany producidas comercialmente datan de alrededor de 1895.
Los interiores de Tiffany también hicieron un uso considerable de mosaicos. El taller de mosaicos, en su mayoría formado por mujeres, fue supervisado hasta 1898 por el escultor y diseñador nacido en Suiza, Jacob Adolphus Holzer.
Murió en 1933.

"Lámpara / Lamp"
Fabricante / Maker: Tiffany Studios (1902–32)
Cristal Favrile con plomo y bronce / leaded Favrile glass and bronze
base: 67,3 cm., diam: 37,1 cm., pantalla / shade: 37,1 cm., 1904-15
The Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

On February 18 is the birthday of

Louis Comfort Tiffany, American artist and designer born in New York City in 1848, who worked in the decorative arts and is best known for his work in stained glass.
He is the American artist most associated with the Art Nouveau and Aesthetic movements. He was affiliated with a prestigious collaborative of designers known as the Associated Artists, which included Lockwood de Forest, Candace Wheeler, and Samuel Colman. Tiffany designed stained glass windows and lamps, glass mosaics, blown glass, ceramics, jewelry, enamels, and metalwork. He was the first Design Director at his family company, Tiffany & Co., founded by his father Charles Lewis Tiffany.
Tiffany started out as a painter, but became interested in glassmaking from about 1875 and worked at several glasshouses in Brooklyn between then and 1878.

"Magnolias y lirios / Magnolias and Irises"
Fabricante / Maker: Tiffany Studios (1902–32)
Cristal Favrile con plomo / leaded Favrile glass, 153 x 106.7 cm., c.1908
The Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

In the beginning of his career, Tiffany used cheap jelly jars and bottles because they had the mineral impurities that finer glass lacked. When he was unable to convince fine glassmakers to leave the impurities in, he began making his own glass. Tiffany used opalescent glass in a variety of colors and textures to create a unique style of stained glass.
He trademarked Favrile (from the old French word for handmade) on November 13, 1894. He later used this word to apply to all of his glass, enamel and pottery. Tiffany's first commercially produced lamps date from around 1895.
Tiffany interiors also made considerable use of mosaics. The mosaics workshop, largely staffed by women, was overseen until 1898 by the Swiss-born sculptor and designer Jacob Adolphus Holzer.
He died in 1933.

"Ventana con un paisaje del río Hudson / Window with Hudson River Landscape"
Vitral del Castillo Rochroane, Irvington-on-Hudson, Nueva York /
Stained Glass Window from Rochroane Castle, Irvington-on-Hudson, New York
346,2 x 330,1 x 21,2 cm., 1905
Corning Museum of Glass (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

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