lunes, 31 de julio de 2017

Uruguayos (XXXII) - Armando Bergallo (III) (Artes escénicas / Performing Arts)

En este tercer post (los dos anteriores aquí y aquí) dedicado a la obra del artista uruguayo nacido en Montevideo en 1942, radicado en Francia, Armando Bergallo, echamos un vistazo a sus incursiones en las artes escénicas. Tras sus experiencias cinematográficas a principios de los años '70, con la producción del film "Las semillas de la aurora", con el Taller de Montevideo, y "Disparando suavemente / Shooting Smoothly", con el Film Group Holland, Bergallo trabajó desde 1977 en la creación de óperas contemporáneas con el Taller Ámsterdam. Este desarrollo creativo condujo a Salomé, una obra en cuyo espacio escénico el artista desarrolla simultáneamente su actividad plástica frente a la audiencia, inspirándose en la música, los intérpretes y el desarrollo de la pieza. El resultado es, como dice Bergallo, una metáfora de la creación artística. Luego vinieron Alice y Gulliver, completando una singular trilogía operísitica autobiográfica.

In this third post (previously here and here) dedicated to the work of the Uruguayan artist born in Montevideo (1942), based in France, Armando Bergallo, we take a look at his incursions into the performing arts. After his cinematographic experiences in the beginning of the seventies, with the production of the film "Las semillas de la aurora / The Seeds of Dawn", with the Taller Montevideo, and "Shooting Smoothly", with the Film Group Holland, Bergallo worked since 1977 in the creation of contemporary operas with the Taller Amsterdam. This creative development led to Salomé, a work in whose stage space the artist simultaneously develops his plastic activity in front of the audience, inspired by the music, the performers and the development of the piece. The result is, as Bergallo says, a metaphor for artistic creation. Then came Alice and Gulliver, completing a unique autobiographical operatic trilogy.
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Armando Bergallo
Artes escénicas / Performing Arts

Armando Bergallo, The Dessert, Berlín, 1983

En 1971 Taller de Montevideo (fundado por cuatro discípulos del taller de Torres García: Armando Bergallo, Gorki Bollar, Clara Scremini y Héctor Vilche) realiza LAS SEMILLAS DE LA AURORA, un film que muestra el panorama socio-político de América Latina con acento en la situación de Uruguay en los años setenta.

"Las semillas de la aurora / The Seeds of Dawn", film, 1971

In 1971, Taller de Montevideo (founded by four disciples of the workshop of Torres Garcia: Armando Bergallo, Gorki Bollar, Clara Scremini y Héctor Vilche) produced LAS SEMILLAS DE LA AURORA, a film focuses the social-political panorama of Latin America with an emphasis on the situation of Uruguay in the seventies.

"Disparando suavemente / Shooting Smoothly", film, 1973

«Desde el año 1977 trabajo en la creación de óperas contemporáneas con el Taller Amsterdam. En estas obras Vilche y yo somos autores y directores. En forma paralela ambos continuamos nuestro trabajo individualmente en pintura, escultura e instalaciones.
Mi necesidad de experimentar nuevas disciplinas me llevó a entrar en los espacios escénicos del Taller, como performer.»

«Since 1977 I have worked with Taller Amsterdam in the creation of contemporary operas, Vilche and I were the authors and directors. Parallel to this we continued individually painting, sculpting and creating installations. My need to experience new disciplines led me to enter, as a performer, in the stage spaces of Taller Amsterdam.»

"La cité transparente / La ciudad transparente / The transparent city", Centre Georges Pompidou,1979

«LA CITÉ TRANSPARENTE marca el pasaje entre eventos ambientales [la serie Cronus, las Street Experiences] y el mundo del espectáculo, finalmente la creación de operas contemporáneas. Significativamente esta obra fue llamada CRONUS 11 y a la vez LA CITÉ TRANSPARENTE.
A continuación Vilche y yo comenzamos a trabajar en una autobiografía ‘a dos’. El resultado fue la trilogía THE DESERT [viaje en la memoria], LA NUIT DU TROISIÈME JOUR [la fuerza vital del erotismo] y PROGRESS PASSION [la sociedad, la justicia].
En este periodo Vilche y yo trabajamos con artistas de distintas disciplinas: compositores, directores musicales, escenógrafos, coreógrafos, técnicos de ilumianción y sonido, cantantes, actores, bailarinas y por supuesto técnicos, organizadores y los miembros de la fundación Taller Ámsterdam. El talento, la energía y el trabajo de estas personas han hecho posible la ambiciosa aventura artística del Taller.»

"El desierto / The Desert", Festival d’Automne, Paris, 1982

«LA CITÉ TRANSPARENTE marks the passage between the Cronus series and the world of spectacle, which leads us finally into the creation of contemporary operas. Significantly this work was called at the same time CRONUS 11 and LA CITÉ TRANSPARENTE.
Vilche and I then commenced working on an autobiography 'at two'. The result was the trilogy THE DESERT [travelling into memory], LA NUIT DU TROISIÈME JOUR [the vital energy of eroticism] and PROGRESS PASSION [society, justice].
In this period, Vilche and I worked with artists from different disciplines: composers, musical directors, stage designer, choreographers, sound and lighting technicians, singers, actors, dancers and of course technicians plus organisers and the members of the Taller Amsterdam Foundation. The talent, energy and work of all these people have made possible the ambitious artistic adventure of  the Taller.»

"La nuit du troisième Jour / La noche del tercer día / The Night of the Third Day", Créteil, Paris, 1984

«A partir de mi cuadro sobre la Salomé de Caravaggio realicé esta barroca instalación. Durante la exposición una soprano interviene interpretando un texto que escribí sobre Salomé, un personaje fascinante al cual volveré repetidas veces hasta la creación de mi ópera "Salomé" en 2007.»

"Salomé", instalación / installation, Espacio Keizersgracht 607, Ámsterdam, 1983

«Inspired by my painting about the Salome by Caravaggio I created this baroque installation SALOMÉ. During the presentation a soprano intervenes, interpreting a text that I wrote about Salome, a fascinating character, to whom I will return again and again until the creation of my opera SALOMÉ in 2007.»

"Satiricón / Satyricon", ópera, Het Muziektheater, Ámsterdam, 1989

«SATYRICON, opera del compositor Bruno Maderna, marcó la primera vez que Taller Ámsterdam realizó una ópera ya existente. Normalmente Vilche y yo escribíamos un texto, conectábamos compositores, músicos, escenógrafo, coreógrafos y finalmente realizábamos la dirección del espectáculo.»

«SATYRICON, opera composed by Bruno Maderna, marked the first time that Taller Amsterdam performed an already existing opera. Normally Vilche and I wrote the text, contacted composers, musicians, stage designer, choreographers and finally we realized the direction of the spectacle.»

"María de Buenos Aires", Het Atrium, La Haya / Hague, 1999 - 2000

«MARÍA DE BUENOS AIRES, del compositor Astor Piazzola, fue la última gran producción del Taller Ámsterdam, encargo de la ciudad de La Haya, para la celebración del nuevo Milenio.
Un vivencia emocionante de esta puesta en escena fue el compartir el rol del Duende con Juan Carlos Moretti, gran hombre de teatro y amigo de la infancia.»

«MARÍA DE BUENOS AIRES, composed by Astor Piazzola, which was the last big production of Taller Amsterdam. This opera was commissioned by the City of The Hague for the celebration of the new Millennium.
An emotional experience of this production was to share the role of the Duende with Juan Carlos Moretti, a great man of theatre and friend of childhood.»

"Salomé la Mére, La Fille / Salomé la madre, la hija / Salome the mother, the daughter"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2006

"Salomé", 2007

«En 2005 comencé a escribir un texto autobiográfico que en 2007 tomará la forma de la opera SALOMÉ. Este texto poético es una doble historia que habla de la pasión sin límites de Salomé y el relato de mi propia pasión vivida cuando yo tenía nueve años.
La música de Salomé fue compuesta e interpretada por músicos, cantantes y actores internacionales. Mi puesta en escena de SALOMÉ fue presentada en 2007 y nuevamente en 2009 en Milán. Durante cada espectáculo yo realizaba, delante del público, una pintura de diez metros por dos. La emoción, la energía que me transmitían la música y los intérpretes, me inspiraban cada vez una nueva obra plástica. De esta manera SALOMÉ es realmente una metáfora de la creación artística.»

"Salomé", ópera, Museo Industriale del Lavoro, Milan / Milano, 2009

«In 2005 I wrote an autobiographical text that in 2007 took the form of the opera SALOMÉ. This poetic text is a double story that speaks of boundless passion of Salome and the story of my own passion felt and lived when I was nine years old.
The music of Salomé was composed and interpreted by international musicians, singers and actors. My staging of SALOMÉ was presented in 2007 and in 2009 in Milan. During each performance I painted in front of the audience, a canvas of ten meters by two. The emotion, the energy transmitted by the music and the interpreters inspired me every time to a new artwork. In this way SALOMÉ is really a metaphor of the artistic creation.»

"Alicia / Alice", ópera, Espace culturel Georges Brassens, Léognan, 2009

«Entre las dos presentaciones de SALOMÉ en Milán escribo un nuevo texto sobre otro personaje mítico: ALICE. Todos somos Alicia y así vamos a entrar en el túnel que nos conduce a un mundo mágico - real, donde podemos revivir los encuentros con monstruos, ángeles, duendes, toda la gama de emociones humanas, y finalmente el amor y la amistad.
ALICE es las segunda parte de una trilogía autobiográfica anunciando ya el próximo paso que será la historia de un pintor: GULLIVER.
Mi sistema de trabajo es siempre comenzar con creaciones plásticas que van a inspirar a los artistas y técnicos, futuros participantes que darán vida al espectáculo.
La instalación ALICE ROOM es un ejemplo de este método de trabajo.»

"Alicia / Alice", 2009

"Gulliver", ópera, Espace culturel Georges Brassens, Léognan, 2009

"Gulliver", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 100 cm., 2009-10

"Gulliver", 2010

«Between the two presentations of SALOME in Milan, I wrote a new text about another mythical character ALICE. We are all Alice and so we are going to enter the rabbit hole that leads us into a magical real world. We can relive encounters with monsters, angels, elves, the whole range of human emotions and finally love and friendship.
ALICE is the second part of an autobiographical trilogy announcing the next step that will be the story of a painter GULLIVER.
My system is always to start with visual art creations, which will inspire the artists, technicians and future participants who will give life to the performance.
The installation ALICE ROOM is an example of this method of work.»

"La habitación Alicia / Alice Room", instalación / installation, Atelier Lalandusse, 2008

«Como parte del imaginario del infinito sentí la necesidad de instalar los personajes míticos de mis proyectos HERCULE, ORFEO, SALOMÉ y ALICE en un paisaje que se prolonga sin limite.»

"Infini Salomé Alice / Infinito Salomé Alicia", Atelier Lalandusse, 2016

«As part of the imaginary of infinity I felt the need to install the mythical characters of my projects HERCULE, ORFEO, SALOMÉ and ALICE in a landscape that continues without limit.»

"Alicia / Alice", 2012

Imágenes y textos de / Text and images by Armando Bergallo and Freek van Kleij

Armando Bergallo en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (XXX)], [Uruguayos (XXXI)], [Rinocerontes (LXXXIV)]

Más sobre Armando en / More about Armando in: Website, facebook

Muchas gracias a Shirley Rebuffo y a Alberto Schunk por el contacto, y por supuesto a Armando y Freek por la autorización para publicar imágenes y textos.
Thanks a lot to Shirley Rebuffo and Alberto Schunk for the contact, and off course to Armando and Freek for the authorization to publish images and text.


Trilogía / Trilogy Salomé - Alice - Gulliver

"Salomé", ópera contemporánea / contemporary opera
Spazio Mill - Sesto San Giovanni, Milán / Milano, 4/2009


Spazio MIL - Museo dell'Industria e del Lavoro, Milan 
Video: Nectar Studio Milan, Mara MARTINOLI, Stefano DE PONTI 
Texto, Puesta en escena / Text, Staging: Armando BERGALLO 
Dirección musical / Music Direction: Nicola ARATA 
Decoración e iluminación / Decor and light: Guido BUGANZA 
Personajes / Characters:
Salomé - Anastasia ZAGORSKAYA 
Recuerdos de la adolescente / Memory of the Adolescent: Barbara ALESSE 
Pintor / Painter: Armando BERGALLO 
Músicos / Musicians
Vibráfono / Vibraphone: Nicola ARATA 
Saxofón / Saxophone: Giovanni FASSIN 
Contrabajo / Contrebasse: Fabio DOTTI 
Organización y Comunicación / Organization & Communication - Frederik VAN KLEIJ
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"Alicia / Alice", ópera contemporánea / contemporary opera


Video : SMAC - Jean-François HAUTIN, Asistente / Assistent: Nadine PEREZ 
Concepción, texto, puesta en escena / Conception, text, staging: Armando BERGALLO. 
Escenografía / Scenography: Armando BERGALLO, Guido BUGANZA.
Arquitecto / Architect: Jean-Luc BARREAU.
Video artístico / Video Art: Lesley SHELL.
Iluminación, técnicos de sonido / Light, sound technicians: Philippe LIBIER, Max ALBRAND, Julien SAINZ.
Vestuario / Costumes: Viviane KEUTEN.
Maquillaje / Make-up: Guido BUGANZA, Marie LE BEC.
Personajes / Characters:
Alicia / Alice - Chloé BARBE.
El narrador / The Conteuse - Françoise MORIN-BIOY.
Duende Azul / Blue Goblin - Julien SEVA.
Duende Rojo / Red Goblin - Romaric MORALES.
El hombre en descomposición, El animal, El hombre en la tempestad, Amor /
The Man in Decomposition / The Animal / The Man in the Storm / Love: Romain PIERROT.
La doble de Alicia / The double of Alice: Matilda AKERBERG.
Alicia de niña / Alice child: Agathe LEVEILLARD.
El trovador / The Troubadour: Julien HERRAIZ.
Padre de Alicia / Father of Alice - Tim JONES.
Músicos / Musicians
Piano, Clavecín, Clavicordio, Espinete / Piano, Harpsichord, Clavichord, Spinet: Tim SHELL. 
Piano, Guitarra / Guitar: Julien HERRAIZ. 
Música electrónica / Electronic Music: Mark HAWKES. 
Director: Julien SAINZ. 
Producción artística, Comunicación / Artistic production, Communication: Frederik VAN KLEIJ. 
Proyecto de la asociación / Proyect of the Society Atravez.
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"Gulliver", ópera contemporánea / contemporary opera


Concepción, Escenografía, Dirección / Conception, Scenography, Directed by: Armando BERGALLO.
Creación musical / Music creation: Tim SHELL, Julien HERRAIZ, Aurélie GARCIA.
Texto / Text: Armando BERGALLO, Marie LE BEC.
Arquitecto / Architect: Jean-Luc BARREAU.
Video artístico / Video Art: Lesley SHELL
Iluminación / Light: David IACONO.
Sonido / Sound: Gilles AXMANN.
Maquillaje / Make-up: Estelle GARCIA.
Peinados / Coiffure: Chantal GARCIA.
Máscara / Mask: Patrick HOURQUET.
Personajes / Characters:
Gulliver - Romain PIERROT,
Andréa - Célia DELAHAYE,
Elsa - Chloé BARBE,
Taton Silver - Julien SEVA,
Orlando - Aurélie GARCIA
Trovador / Troubadour - Julien HERRAIZ, El aprendiz / The Apprentice - Simon DELGRANGE.
Con las voces de / With the voices of - Elise DEUVE - soprano, David ORTEGA - barítono / baritone.
Asistente de dirección / Assistant director - Marie LE BEC.
Asistencia técnica / Technical assistant - Nicolas CHARRIER.
Steward - Julien SAINZ.
Con la colaboración de / With the collaboration of Mavis WILSON
Producción artística, comunicación / Artistic production, Communication - Frederik VAN KLEIJ, ATRAVEZ.
Agradecimientos / Acknowledgments: Espace culturel Georges Brassens, Mairie de Léognan.
Proyecto de la asociación / Proyect of the Society Atravez.

domingo, 30 de julio de 2017

Aniversarios Fotografía (CLXXXVIII) [Julio / July 24-31]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 24 de Julio es el cumple de

Gusmano Cesaretti, fotógrafo autodidacta y artista italiano nacido en Lucca, en 1944. También ha trabajado en películas como productor y consultor visual. Es uno de los primeros fotógrafos en documentar la cultura callejera de East Los Angeles, y ha producido trabajos de fotoperiodismo en lugares de todo el mundo, incluyendo Norte, Centro y Sur América, Sudeste Asiático, China, África y el Medio Oeste.
Cesaretti es conocido por sus documentaciones fotográficas de los estilos de vida de Los Ángeles, el club de coches Klique, la cultura del barrio callejero chicano y la vida de las pandillas en Los Ángeles.

"Prisión Folsom / Folsom Prison", Folsom, California, 1978 © Gusmano Cesaretti. T Magazine

Creó series de fotografías en Cuba, Bolivia, Panamá, Brasil, México, China, Tailandia, Líbano, Palestina Ocupada, África, el South Side de Chicago y el Proyecto de Viviendas Cabrini-Green. Estos estudios fotográficos están documentados en su sitio web.

"Varrio Nuevo Estrada", Estrada Court, Boyle Heights, East Los Angeles, 1973 © Gusmano Cesaretti. T Magazine

Cesaretti ha comisariado muchas exposiciones, comenzando con su galería Cityscape Foto Gallery, que fundó en Pasadena, California en 1977. Fue instrumental en la organización de la exposición de varias obras importantes de artistas callejeros de Los Ángeles en el éxito de taquillera muestra del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles 2011 Art in the Streets, incluyendo el club de la motocicleta Chosen Few MC. En 2014 comenzó a publicar Los Angeles FOTOFOLIO, una revista subterránea de fotografía en blanco y negro de reconocidos y emergentes fotógrafos que se distribuye gratuitamente en Los Ángeles, Nueva York, París, Londres y Ciudad de México.

"Klique Dance en la sala de baile del Hotel Alexandria, Los Angeles / at the Alexandria Hotel Ballroom, LA"
gelatinobromuro de plata, copia de época / vintage gelatin silver print, 11" x 14", 1975
© Gusmano Cesaretti. ComPlex

Sus fotografías han aparecido en muchos libros y revistas, así como en varias monografías de artistas, incluyendo Street Writers (publicado por Acrobat Books, 1975), 5 x 5 = 24 (publicado por xx, 1979), Fragments of Los Angeles (publicado por Damian/Alleged Press, 2013), y Dentro le Mura (publicado por Arte Povera, 2014). Su obra ha sido expuesta en la Biblioteca Huntington, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, y la Institución Smithsonian.

"Huautla de Jiménez, Oaxaca, México" © Gusmano Cesaretti
de María Sabina, En busca del Cristo negro /
from Maria Sabina, In Search of the Black Christ, Oaxaca & Chiapas, Mexico, 1982. T Magazine

Cesaretti ha trabajado en estrecha colaboración con los directores de cine Michael Mann, Tony Scott y Marc Forster, para crear la apariencia de muchos largometrajes, como Last of the Mohicans, The Insider, Public Enemies, The Taking of Pelham 123, Quantum of Solace, Collateral, Heat, Miami Vice, Manhunter y Ali.

De la serie Los Ángeles Este / From the East Los Angeles series
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 39 1/4" x 27 1/4", 1970s
© Gusmano Cesaretti. ArtSlant


El 25 de Julio es el cumple de

Wanda Wulz, fotógrafa experimental italiana nacida en 1903 en Trieste. Un buen ejemplo de sus obras es el autorretrato fusionado con el de un gato.

"Io + gatto / Yo + gato / I + Cat", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1932
The Metropolitan Museum of Art
Ford Motor Company Collection, Gift of Ford Motor Company and John C. Waddell, 1987
Alinari / Art Resource © Wanda Wulz. The Art Stack


"Banda de Jazz / Jazz-Band", 1931. The Art Stack

Tanto su abuelo Giuseppe Wulz como su padre Carlo Wulz fueron fotógrafos que dispararon en eventos sociales y crearon retratos de artistas e intelectuales locales. Wanda comenzó su carrera fotografiando músicos, bailarines y actores en Trieste. Exhibió seis fotografías en Roma en 1930.

"Ritratto di giovane donna con levriero / Retrato de una joven con un galgo /
Portrait of a young woman with a greyhound", c.1931

En 1932, se unió al movimiento futurista tras coincidir con Filippo Tommaso Marinetti en una exposición de arte. Su fotografía de finales de la década de 1930 incorporaría frecuentemente imágenes superpuestas y movimiento. Finalmente abandonó el futurismo a finales de los años treinta.
Murió en 1984.

"Retrato de medio busto de una joven / Half-bust portrait of young woman", 1928


El 26 de Julio es el cumple de

Stanley Kubrick, director de cine, guionista, productor, director de fotografía, editor y fotógrafo estadounidense nacido en 1928. Se le cita frecuentemente como uno de los directores más grandes e influyentes de la historia cinematográfica. Sus películas, que son en su mayoría adaptaciones de novelas o cuentos, abarcan una amplia gama de géneros, y se caracterizan por su realismo, humor oscuro, cinematografía única, amplios diseños de escenarios y el uso evocador de la música.


Asistió a la secundaria William Howard Taft entre 1941 a 1945. Aunque sólo cursó grados medios, Kubrick mostró un vivo interés en la literatura, fotografía y cinematografía desde muy joven, y aprendió de forma autodidacta todos los aspectos de la producción y dirección de películas tras graduarse. Después de trabajar como fotógrafo para la revista Look a finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, comenzó a hacer cortometrajes con un presupuesto reducido, y realizó su primera película de Hollywood, The Killing, para United Artists en 1956.

"Lustrabotas en un puesto callejero / Shoe Shine Boys (Vendor)", 1947

Mientras aún estaba en la secundaria, Kubrick fue elegido como fotógrafo oficial de la escuela durante un año. A mediados de la década de 1940, como no podía ingresar a las clases diarias en las universidades, asistió brevemente a clases nocturnas en el City College de Nueva York. Eventualmente vendió una serie fotográfica a la revista Look. En 1946, se convirtió en fotógrafo aprendiz para Look y más tarde a tiempo completo del equipo.

"Cambiando la rueda / Changing the Tire", 1946

"En la cuerda floja / High Wire Act", 1948

Kubrick se hizo conocido rápidamente, sin embargo, por sus fotografías narrativas. La primera, publicada el 16 de abril de 1946, se tituló "Una historia corta desde un balcón de película" y escenificaba una pugna entre un hombre y una mujer, durante la cual el hombre es golpeado en la cara, genuinamente sorprendido. En otro encargo, tomó 18 fotografías de varias personas que esperaban en un consultorio dental. Se ha dicho retrospectivamente que este proyecto demostró un interés temprano de Kubrick en captar a individuos y sus sensaciones en ambientes mundanos. En 1948 fue enviado a Portugal para documentar una pieza de viaje, y cubrió el circo Ringling Bros. y Barnum & Bailey en Sarasota, Florida. Kubrick, entusiasta del boxeo, finalmente comenzó a fotografiar los combates de boxeo para la revista.

"Estudiante en la Universidad de Columbia / Student at Columbia University", 1948

"Coristas en el club nocturno Copacabana, Nueva York / Showgirls at the nightclub Copacabana", New York.
para / for Look, 1948

El 2 de abril de 1949 publicó un ensayo fotográfico llamado "Chicago, Ciudad de extremos" en Look, que mostró desde el principio su talento para crear ambiente con imágenes, incluyendo una fotografía tomada desde arriba de una calle congestionada de Chicago por la noche. Al año siguiente, el 18 de julio de 1950, la revista publicó su ensayo fotográfico, "Debutante en el trabajo - Betsy von Furstenberg", que mostraba un retrato de Pablo Picasso de Ángel F. de Soto en el fondo. Kubrick también fue asignado para fotografiar a numerosos músicos de jazz.
Su extensa carrera cinematográfica se prolongó hasta poco antes de su muerte en 1999, seis días después de la proyección para su familia y los actores de su última película, "Eyes Wide Shut".

Autorretrato de Kubrick con su hija, Jack Nicholson y el equipo en el set de El Resplandor /
A self portrait of Kubrick with his daughter, Jack Nicholson and the crew of The Shining, 1980

Jack Nicholson en "El Hurgador" / in this blog:


El 27 de Julio es el cumple de

Edmund Kesting, fotógrafo, pintor y profesor de arte alemán nacido en Dresde en 1892.
Estudió hasta 1916 en la Academia de Bellas Artes de Dresde antes de participar como soldado en la Primera Guerra Mundial. Al regresar sus maestros de pintura fueron Richard Müller y Otto Gussmann, y en 1919 comenzó a enseñar como profesor en la escuela privada Der Weg. En 1923 tuvo su primera exposición en la galería Der Sturm en la que mostró fotogramas. Cuando Der Weg abrió una nueva academia en Berlín en 1927, se trasladó a la capital.


"Blick zur Sonne / Mirada al sol / Glance to the Sun"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 33,2 x 36,8 cm., 1928
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Se relacionó con otros vanguardistas en Berlín y practicó varias técnicas experimentales como la solarización, múltiples imágenes y fotogramas, por lo que doce de sus obras fueron consideradas arte degenerado por el régimen nazi y prohibidas. Entre los artistas con los que interactuó están Kurt Schwitters, László Moholy-Nagy, El Lissitzky y Alexander Archipenko.

"Marianne Vogelgesang / Mariana canta como un pájaro / Marianne Bird Song"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, c.1935 
New Orleans Museum of Art (NOMA) (Los Ángeles, EE.UU./ LA, USA)

Al final de la Segunda Guerra Mundial formó parte de un grupo artístico de Dresde conocido como Künstlergruppe der ruf - befreite Kunst (junto a Karl von Appen, Helmut Schmidt-Kirstein y Christoph Hans, entre otros). En esta ciudad hizo un informe experimental llamado Dresdner Totentanz (Danza de la muerte en Dresden) como una condena del bombardeo de la ciudad. En 1946 fue nombrado miembro de la Academia de Arte de la ciudad.

"Selbstportrait / Autorretrato / Self Portrait"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 23,7 x 17,8 cm. Lempertz

Participó en la polémica entre el realismo socialista y el formalismo que tuvo lugar en la República Democrática Alemana, aunque su obra no era realista y no pudo ser exhibida en el país entre 1949 y 1959. En 1955 empezó a experimentar con la pintura química, haciendo fotos sin el uso de una cámara, utilizando sólo productos químicos como el revelador, el fijador y el papel fotográfico, para lo que hizo exposiciones a la luz con máscaras y plantillas. Entre 1956 y 1967 fue profesor en la Academia de Cine y Televisión de Potsdam.
Su obra artística no fue reconocida por las autoridades de la República Democrática Alemana hasta 1980, diez años después de su muerte.

"Dresdner Totentanz / La danza de la muerte de Dresde / Dresden's Death Dance"
Portafolios con 5 composiciones montadas de negativo/positivo /
portfolio with 5 compositions from negative/positive montages. 
Titles: „Tod über Dresden“, „Sirenen Alarm“, „Feuersturm“, „Tote und Trümmer“, „Toten-Reigen“
#2 "Sirenen Alarm / Sirenas de alarma / Siren alarm"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1945-47/1992  kunststoff art trade


El 28 de Julio es el cumple de

Max Hubert Innocenz Maria Burchartz, fotógrafo alemán nacido en 1887.
Después de su educación básica recibió formación en tejidos de su padre y estudió en una escuela técnica textil, así como en una escuela de arte. Estudió publicidad y arte, y en 1907 comenzó a estudiar en una academia de arte en Düsseldorf, experimentando con el impresionismo, pero dejó la academia para unirse a la Primera Guerra Mundial. Después de la guerra se retiró a Blankenhain y reanudó la pintura. Sus cuadros reflejaban la tranquila vida rural de Blankenhain, pero mantenían influencias abstractas.

"Distrito industrial en / Industrial District at Gelsenkirchen"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 40,6 × 39,1 cm., c.1920.
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU. / NY, USA)

En 1922 Burchartz asistió a un curso de naturaleza muerta dictado por Theo van Doesburg en la Bauhaus de Weimar, una ruptura con su trabajo anterior que lo convirtió a la "tendencia moderna", que desde entonces se expresó en un estilo constructivo. También trabajó como traductor.
En 1924 se trasladó al distrito del Ruhr, donde creó la primera agencia de publicidad moderna en Alemania. Se dedicó a la nueva tipografía y diseño de color de edificios. El éxito artístico y económico llegó pronto. Burchartz desarrolló un nuevo estilo de diseño que combinaba tipografía, fotografía y collages de fotos.

"Lotte (Auge / Ojo / Eye)"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 30,2 x 40 cm., 1928
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU. / NY, USA)

En 1927 finalmente recibió una licenciatura en tipografía en el Folkwang Schule.
Después de que Hitler tomó el poder, Burchartz se unió al Partido Nazi, con la esperanza de recuperar su posición en la Folkwang Hochschule. Durante este tiempo hizo muchos viajes para fotografiar e hizo impresiones de temas industriales. Entre 1933 y 1939 trabajó para la compañía Forkardt. Voluntariamente se unió al ejército alemán en el que permaneció hasta el final de la guerra. Al final de la misma se encontró en París.

"Los ojos de Grete / Grete's Eyes"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 18 x 24 cm., 1928
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU. / NY, USA)

En 1949 Burchartz comenzó a trabajar en la Academia Folkwang como profesor para estudiantes de primer año. Enseñó a los estudiantes ideas de arte universal y de diseños holísticos. En 1953 escribió su primera obra sobre teoría del arte, "Alegoría de la armonía" y también una extensión de la pieza, "Teoría del Diseño". En este tiempo también creó collages y marcos desarrollados con nuevos materiales tales como láminas de trama, láminas de plástico, Resopal y tapices.
Murió en 1961.

"Retrato Nº 45 / Portrait #045"
Fotograbado original de época / original vintage photogravure, 17,1 x 22,2 cm., c1930. Invaluable


El 29 de Julio es el cumple de

Michael Montfort, fotógrafo alemán nacido en Friburgo en 1940.

"Ian Anderson of Jethro Tull", en el escenario / on stage, c.1970. Royal Books


Jethro Tull en "El Hurgador" / in this blog[Katie O'Hagan (Pintura)]

Comenzó su carrera trabajando como periodista fotográfico para revistas alemanas como "Stern", "Quick" y "Bild am Sonntag". Además de fotografiar numerosas actuaciones de rock y jazz, cubrió la visita de la reina Isabel a Alemania en 1965, las secuelas de la Guerra de los Seis Días en Palestina Ocupada y Egipto y las protestas de mayo de 1968 en París. Montfort emigró a Los Ángeles en 1973 y comenzó a trabajar como independiente.

"Robert Plant & Jimmy Page en el escenario / on stage", c.1972. Royal Books

Led Zeppelin en "El Hurgador" / in this blog:

"Robert Plant en el escenario / on stage", c.1972. Royal Books

Jimmy Page en "El Hurgador" / in this blog[Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)], [Aniversarios Fotografía (CXXXVI)]
Robert Plant en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXXXVI)], [Aniversarios Fotografía (CLXVIII)]

Cuatro años más tarde, en un encargo para la revista literaria alemana "Rogners", Montfort fue enviado a fotografiar a Charles Bukowski. Ayudado por la caja de vino que, inteligentemente, llevó con él a su primera reunión, Montfort conectó con el poeta, malhumorado y tímido ante la publicidad. Durante las dos décadas siguientes, como camarada de Bukowski y fotógrafo personal, tomó miles de imágenes literarias de Bukowski y colaboró ​​con él en títulos como "Horsemeat", "Shakespeare Never Did This" y "The Wedding".

"Frank Zappa", c.1968. Royal Books

Frank Zappa en "El Hurgador" / in this blog:

"Klaus Kinski & Brigitte Ruth Tocki". Royal Books

Como fotoperiodista su trabajo fue mucho más allá que cubrir a Bukowski. Entre otros grandes excéntricos, fue capaz de capturar en la película al escritor William S.Burroughs, la banda de rock estadounidense The Doors y en particular el cantante, compositor y poeta Jim Morrison y el actor alemán Klaus Kinski. En algunas de las fotografías de Kinski aparece su segunda esposa, Brigitte Tocki, y su joven hija, Nastassja.
Montfort murió en 2008.

"Charles Bukowski", Colonia, Alemania / Cologne, Germany, 1978. Live Auctioneers

Charles Bukowski en "El Hurgador" / in this blog[Gottfried Helnwein (II) (Fotografía)], [Alan Derwin (II) (Pintura)]
Michael Montfort en "El Hurgador" / in this blog[Alan Derwin (II) (Pintura)]


El 30 de Julio es el cumple de

Rick Day, fotógrafo de moda estadounidense nacido y criado en Greenville, Carolina del Sur, con sede en la ciudad de Nueva York. Su trabajo se centra en la fotografía de publicidad, de moda y video.

"Jane", Meatpacking District

Se mudó a Atlanta a los 18 años y trabajó como camarero y DJ. Después de ver un libro del trabajo de Bruce Weber, compró su primera cámara a la edad de 28. Como fotógrafo autodidacta comenzó a fotografiar modelos en el área de Atlanta antes de mudarse a Milán durante un año. Posteriormente se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1994, donde reside en el East Village con sus dos perros.
Su obra está influenciada por los fotógrafos Bruce Weber, Herb Ritts y Victor Skrebneski. Sus imágenes han aparecido en numerosas publicaciones como Elle, Details, Vogue Italia, Männer, ADN y GQ.

"Taylor Swift", Justine Magazine, 2009

Taylor Swift en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (LXVIII)]

"Wet"

Ha lanzado campañas publicitarias para Goody's, Gap, Ritani y Rufskin. Entre sus modelos se cuentan artistas como Liza Minnelli y Taylor Swift, atletas como Floyd Mayweather y otras figuras públicas como Michael Strahan, Nigel Barker, Fabien Cousteau y Robert Sepúlveda Jr.
Day publicó su primer libro, Players, en 2008. El segundo, Pioneers, lanzado en 2010, debutó en el número uno en la lista de libros eróticos de Amazon.com. Players Two fue publicado en 2011 y All Players fue lanzado en 2012. Hasta la fecha, todos los libros de Day han sido lanzados a través del editor Bruno Gmünder Verlag.

"Joey Kingery", Lower East Side, New York City

En el 2015 contribuyó con fotografías para The Art of Looking: The Life and Treasures of Collector Charles Leslie, de Kevin Clarke. El mismo año co-dirigió su primer video musical para la cantante y compositora AYER, con sede en Nueva York.



Hoy, 31 de Julio, es el cumple de

Fergus Bourke, fotógrafo irlandés nacido Condado Wicklow, al sur de Dublín. Ha sido considerado por más de cuarenta años como el fotógrafo más grande de Irlanda.
Oyó la llamada del artista a principios de la vida. Utilizando sus ojos como cámara, crearía imágenes cerrando sus ojos y congelando el momento en el tiempo durante unos segundos. Más tarde diría que había sido un fotógrafo mucho antes de haber tenido su primera cámara.

"The Pickaroon", Dublin, 1966. NLI

A lo largo de los años sesenta caminó por las calles de Dublín capturando ese momento esencial, como estudiante de la obra de maestros del oficio como Henri Cartier-Bresson. Luego, siguiendo su corazón y el consejo del gran fotoperiodista Andre Kertesz, Fergus llevó parte de su obra al Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1966 siete de sus fotografías fueron aceptadas para su colección permanente, dramáticas escenas callejeras de un Dublín que ya no existe.

"Sin título (Los lanzadores de botellas) / Untitled (The Bottle Throwers)", 1968. NLI

Luego pasó algunos años perfeccionando su conocimiento del arte de la fotografía teatral, trabajando para muchos teatros de Dublín incluyendo el Abbey, el Teatro Nacional de Irlanda. Continuamente buscando nuevas vías de expresión, sus retratos a principios de los 80 con el periódico Sunday Tribune llevaron a una importante exposición y libro de retratos de dos y tres personas titulado "Vástago". Trabajando bajo la luz natural de un estudio de patio trasero, optó por no hacer posar a sus modelos, sino dejar que su conexión familiar o personal se surgiera a través de su lenguaje corporal mientras se preparaban.

"Escena de Bailando en Lughnasa", en el Teatro Abbey /
scene from Dancing at Lughnasa at the Abbey Theater", NLI

"Temprano en la mañana. Las fábricas de gas / Early Morning. The Gasworks". SO

Había sido su sueño de trasladarse al oeste de Irlanda, cosa que consiguió cuando se le pidió que se uniera a Aosdána, una asociación de personas en Irlanda que han logrado la distinción en las Artes. Fergus fue el primer fotógrafo que se incorporó a este grupo de élite cuya membresía se limita a 250. Los artistas de cada disciplina están involucrados y reciben un estipendio que les permite concentrarse en su trabajo a tiempo completo. Esta era toda la motivación que necesitaba. Habiendo comenzado a viajar por las montañas de Wicklow al oeste de Dublín para tomar fotografías de paisajes, ahora iría de excursión por las colinas y montañas de Connemara, una parte particularmente escarpada y hermosa del oeste mágico de Irlanda y, registrará la tierra con la que sentía una conexión tan inseparable.
En agosto de 2003 Fergus realizó una gran exposición, una retrospectiva de 40 años titulada "Ojo, Mano y Corazón: Fotografías 1963 - 2003" en la Galería de Fotografía en el Temple Bar de Dublín. Poco después, le diagnosticaron leucemia.
Murió en 2004.

"La luna sobre el Valle Maam / Moon over Maam Valley". SO


Textos en inglés / English translation

On July 24 is the birthday of

Gusmano Cesaretti, self-taught Italian photographer and artist born in Lucca, in 1944. He has also worked in films as a producer and visual consultant. He is one of the first photographers to document the East Los Angeles street culture, and has produced photojournalistic works in locations around the world including North, Central, and South America, Southeast Asia, China, Africa, and the Midwest.
Cesaretti is known for his photo documentations of Los Angeles lifestyles, the Klique car club, Chicano street barrio culture, and LA gang life.
He created series of photographs in Cuba, Bolivia, Panama, Brazil, Mexico, China, Thailand, Lebanon, Occupied Palestine, Africa, and Chicago's South Side and Cabrini–Green Housing Project. These photographic studies are documented on his web site.
Cesaretti has curated many exhibitions, starting with his gallery Cityscape Foto Gallery, which he founded in Pasadena, California in 1977. He was instrumental in arranging the exhibition of several major works by Los Angeles street artists in the Los Angeles Museum of Contemporary Art's blockbuster 2011 Art in the Streets show, including the Chosen Few MC motorcycle club. In 2014 he started publishing Los Angeles FOTOFOLIO, an underground journal of black and white photography by well-known and emerging photographers that is distributed free of charge in Los Angeles, New York, Paris, London, and Mexico City.
His photographs have appeared in many books and magazines as well as several artist monographs, including Street Writers (published by Acrobat Books, 1975), 5 x 5 = 24 (published by xx, 1979), Fragments of Los Angeles (published by Damian/Alleged Press, 2013), and Dentro le Mura (published by Arte Povera, 2014). His work has been exhibited at the Huntington Library, the Los Angeles Museum of Contemporary Art, and the Smithsonian Institution.
Cesaretti has worked closely with film directors Michael Mann, Tony Scott, and Marc Forster, to create the look and feel of many feature films, including Last of the Mohicans, The Insider, Public Enemies, The Taking of Pelham 123, Quantum of Solace, Collateral, Heat, Miami Vice, Manhunter, and Ali.

On July 25 is the birthday of

Wanda Wulz, Italian experimental photographer born in 1903 in Trieste. One great example of her works is the self-portrait merged with a portrait of a cat.
Both her grandfather Giuseppe Wulz and her father Carlo Wulz were photographers who shot social events and created portraits of fellow artists and local intellectuals. Wanda began her career photographing musicians, dancers, and actors in Trieste. She exhibited six photographs in Rome in 1930.
In 1932, she joined the Futurist movement after meeting Filippo Tommaso Marinetti in an art exhibition. Her photography in the late 1930s would frequently incorporate superposed images and motion. She eventually left Futurism at the end of the 1930s.
She died in 1984.

On July 26 is the birthday of

Stanley Kubrick, American film director, screenwriter, producer, cinematographer, editor, and photographer. He is frequently cited as one of the greatest and most influential directors in cinematic history. His films, which are mostly adaptations of novels or short stories, cover a wide range of genres, and are noted for their realism, dark humor, unique cinematography, extensive set designs, and evocative use of music.
He attended William Howard Taft High School from 1941 to 1945. Although he only received average grades, Kubrick displayed a keen interest in literature, photography, and film from a young age, and taught himself all aspects of film production and directing after graduating from high school. After working as a photographer for Look magazine in the late 1940s and early 1950s, he began making short films on a shoestring budget, and made his first major Hollywood film, The Killing, for United Artists in 1956.
While still in high school, Kubrick was chosen as an official school photographer for a year. In the mid-1940s, since he was not able to gain admission to day session classes at colleges, he briefly attended evening classes at the City College of New York. Eventually, he sold a photographic series to Look magazine. In 1946, he became an apprentice photographer for Look and later a full-time staff photographer. 
Kubrick quickly became known, however, for his story-telling in photographs. His first, published on April 16, 1946, was entitled "A Short Story from a Movie Balcony" and staged a fracas between a man and a woman, during which the man is slapped in the face, caught genuinely by surprise. In another assignment, 18 pictures were taken of various people waiting in a dental office. It has been said retrospectively that this project demonstrated an early interest of Kubrick in capturing individuals and their feelings in mundane environments. In 1948, he was sent to Portugal to document a travel piece, and covered the Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus in Sarasota, Florida. Kubrick, a boxing enthusiast, eventually began photographing boxing matches for the magazine. 
On April 2, 1949, he published a photo essay, named "Chicago-City of Extremes" in Look, which displayed his talent early on for creating atmosphere with imagery, including a photograph taken above a congested Chicago street at night. The following year, on July 18, 1950, the magazine published his photo essay, "Working Debutante - Betsy von Furstenberg", which featured a Pablo Picasso portrait of Angel F. de Soto in the background. Kubrick was also assigned to photograph numerous jazz musicians.
His extensive film career lasted until a few days before his death in 1999, six days after the screening for his family and the actors of his latest film, "Eyes Wide Shut."

On July 27 is the birthday of

Edmund Kesting, German photographer, painter and art professor born in Dresden in 1892.
He studied until 1916 at the Dresden Academy of Fine Arts before participating as a soldier in the First World War, upon returning his painting teachers were Richard Müller and Otto Gussmann and in 1919 he began to teach as a professor at the private school Der Weg. In 1923 he had his first exposition in the gallery Der Sturm in which he showed photograms. When Der Weg opened a new academy in Berlin in 1927, he moved to the capital.
He formed relations with other vanguardists in Berlin and practiced various experimental techniques such as solarization, multiple images and photograms, for which reason twelve of his works were considered degenerate art by the Nazi regime and were prohibited. Among the artists with whom he interacted are Kurt Schwitters, László Moholy-Nagy, El Lissitzky and Alexander Archipenko.
At the end of World War II he formed part of a Dresden artistic group known as Künstlergruppe der ruf - befreite Kunst (Call to an art in freedom) along with Karl von Appen, Helmut Schmidt-Kirstein and Christoph Hans, among others. In this city he made an experimental report named Dresdner Totentanz (Dance of death in Dresden) as a condemnation of the bombing of the city. In 1946 he was named a member of the Academy of Art in the city.
He participated in the controversy between socialist realism and formalism that took place in the German Democratic Republic, therefore his work was not realist and could not be shown in the country between 1949 and 1959. In 1955 he began to experiment with chemical painting, making photographs without the use of a camera and only with the use of chemical products such as the developer and the fixer and photographic paper, for which he made exposures to light using masks and templates. Between 1956 and 1967 he was a professor at the Academy of Cinema and Television of Potsdam.
His artistic work was not recognized by the authorities of the German Democratic Republic until 1980, ten years after his death.

On July 28 is the birthday of

Max Hubert Innocenz Maria Burchartz, German photographer born in 1887.
After his basic schooling he received training in his father's weaving mill and studied at a textile technical school as well as an art school. He studied advertising and art and in 1907 started studying at an art academy in Düsseldorf, at that time experimenting with impressionism but left the academy to join the First World War. After the War he withdrew to Blankenhain and resumed painting. His paintings reflected the quiet, rural life of Blankenhain, but maintained abstract influences.
In 1922 Burchartz attended a still-life course taught by Theo van Doesburg at the Bauhaus in Weimar, a break from his past work and turned him toward the 'modern trend', which was from then on expressed in a constructional style. He also worked as a translator.
In 1924 Burchartz moved to the Ruhr District where he set up the first modern advertising agency in Germany. He dedicated himself to the new typography and color design of the building. Artistic and economic success soon followed. Burchartz developed a new layout style that blended typography, photography, and photo collages.
In 1927, Burchartz finally received a degree in typography at the Folkwang Schule.
After Hitler seized power, Burchartz joined the Nazi Party, hoping to regain his position at the Folkwang Hochschule. During this time, he made many trips for his photography and made prints of industrial subject matter. Between 1933 and 1939 Burchartz worked for the Forkardt company. He voluntarily joined the German army which he remained in until the end of the war. At the end of the war he found himself in Paris.
In 1949, Burchartz began working at the Folkwang Academy as a professor for the first year students. He taught the students universal art ideas and the ideas of holistic designs. In 1953 he wrote his first work of art theory, "Allegory of the Harmony" and also an extension of the piece, "Design Theory". In this time he also created collages and framed developed with new materials such as raster foils, plastic foils, Resopal, and wall carpets.
He died in 1961.

On July 29 is the birthday of

Michael Montfort, German photographer born in Freiburg in 1940.
He began his career working as a photojournalist for German magazines such as "Stern," "Quick," and "Bild am Sonntag." In addition to shooting numerous rock and jazz performances, he covered Queen Elizabeth's 1965 visit to Germany, the aftermath of the Six Day War in Occupied Palestine and Egypt, and the May 1968 protests in Paris. Montfort emigrated to Los Angeles in 1973 and began working as a freelancer. Four years later, on assignment for the German literary magazine "Rogners," Montfort was sent to photograph Charles Bukowski. Aided by the case of wine he smartly brought with him to their first meeting, Montfort connected with the publicity-shy and splenetic poet. Over the next two decades, as both Bukowski's drinking buddy and personal photographer, he shot literary thousands of images of Bukowski and collaborated with him on titles such as "Horsemeat," "Shakespeare Never Did This," and "The Wedding." 
As a photojournalist, Montfort’s body of work was much more than just covering Bukowski. Amongst the eccentric greats he was able to capture on film were writer William S.Burroughs, American rock band, The Doors and in particular singer-songwriter and poet, Jim Morrison, and German actor, Klaus Kinski. Some of the photographs of Kinski included his second wife Brigitte Tocki and their young daughter, Nastassja.
Montfort died in 2008.

On July 30 is the birthday of

Rick Day, American fashion photographer born and raised in Greenville, South Carolina based in New York City. His work concentrates on fashion advertising photography and video.
He moved to Atlanta at the age of 18 and worked as a waiter and a DJ. After seeing a book of work by Bruce Weber, Day bought his first camera at the age of 28. As a self-taught photographer, he began shooting models in the Atlanta area before moving to Milan for a year. He later relocated to New York City in 1994 where he resides in the East Village with his two dogs.
Day's work is influenced by photographers Bruce Weber, Herb Ritts and Victor Skrebneski. His fashion spreads and images have been published in numerous publications including Elle, Details, Vogue Italia, Männer, DNA and GQ.
He has shot advertising campaigns for Goody's, Gap, Ritani and Rufskin. Celebrity subjects have included performers such as Liza Minnelli and Taylor Swift, athletes such as Floyd Mayweather, and other public figures such as Michael Strahan, Nigel Barker, Fabien Cousteau, and Robert Sepúlveda Jr.
Day published his first coffee table book, Players, in 2008. His second book, Pioneers, released in 2010, debuted at number one on the Amazon.com best-selling erotic book list. Players Two was published in 2011, and All Players was released in 2012. To date, all of Day's books have been released through publisher Bruno Gmünder Verlag.
In 2015, he contributed photographs for Kevin Clarke's The Art of Looking: The Life and Treasures of Collector Charles Leslie. The same year he co-directed his first music video for New York-based singer-songwriter AYER.

Today, July 31, is the birthday of

Fergus Bourke, Irish photographer born County Wicklow, south of Dublin. He has been regarded for over forty years as Ireland’s greatest photographer. 
He heardthe artist’s calling early in life. Using his eyes as his camera he would create images by closing his eyes and freezing the moment in time for a few seconds. He would later say that he had been a photographer long before he ever held his first camera.
Throughout the sixties he walked the streets of Dublin capturing that essential moment, a student of the work of masters of the craft such as Henri Cartier-Bresson. Then, following his heart and on the advice of the great photojournalist Andre Kertesz, Fergus brought some of his work to the Museum of Modern Art in New York. In 1966 seven of his photographs were accepted for their permanent collection, dramatic streetscenes of a Dublin that no longer exists.
He then spent some years perfecting his knowledge of the art of theatre photography, working for many Dublin theaters including the Abbey, Ireland’s National Theatre. Continually looking for new avenues for expression, his portrait work in the early 1980’s with the Sunday Tribune newspaper led to a major exhibition and book of two and three person portraits titled “Kindred”. Working in the natural light of a back yard studio, he chose not to pose his subjects, but let their familial or personal connection become known through their body language as they arranged themselves.
It had long been his dream to move to the West of Ireland. This was realized when he was asked to join Aosdána, an association of people in Ireland who have achieved distinction in the Arts. Fergus was the first photographer to be inducted into this elite group whose membership is limited to 250. Artists of every discipline are involved and they receive a stipend which enables them to concentrate on their work full time. This was all the motivation he needed. Having begun to take journeys into the Wicklow mountains west of Dublin to take landscape photographs, he would now hike the hills and mountains of Connemara, a particularly rugged and beautiful part of Ireland’s magical West and record the land that he felt such an inseparable connection to.
In August of 2003 Fergus put on a major exhibition, a 40 year retrospective entitled "Eye, Hand and Heart, Photographs 1963 - 2003" at the Gallery of Photography in Dublin's Temple Bar. Soon after, he was diagnosed with leukemia.
He died in 2004.

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